Steve Shehan, musicien universel et polyinstrumentiste de génie, croise un jour sur son chemin, et ce par le plus grand des hasards, le touareg Baly Othmani, poète du désert, chanteur et joueur de luth accompli. De cette rencontre inopinée va naître une fructueuse collaboration artistique, qui verra la mise en œuvre d’une éloquente et émotionnelle trilogie discographique métissée avec Assouf, Assarouf et Assikel. Mais, surtout, cette association sera le point de départ d’une amitié et d’une fraternité indéfectible entre les deux hommes, relation dont la sincérité transparait vraiment à l’écoute de ces trois albums inoubliables réalisés ensemble. Assikel sera malheureusement terminé par un Steve Shehan seul aux commandes, et édité à titre posthume, accompagné d’un DVD retraçant tous les contours de cette belle aventure humaine. En effet, Baly Othmani, figure emblématique de la culture Touarègue, disparait tragiquement dans le courant de l’année 2005, emporté par la cru de l’oued de Djanet au sud-est de l’Algérie. Grand inspirateur de toute une génération de jeunes musiciens, chanteurs, danseurs ou poètes, Baly transmet à son fils Nabil ce goût prononcé pour l’expression artistique, le devoir de mémoire et la tradition orale berbère. Nabil Othmani reprend donc le flambeau admirablement tenu par son père, en écrivant des chansons en langue tamasheq accompagnées au son de l’oud arabe "réadapté", qu’il maitrise aujourd’hui avec la même dextérité, mais un feeling plus sobre qui lui est personnel.

A l’instar de son modèle, les compositions de Nabil portent l’histoire des peuples du désert, tout comme les innombrables textes en réserve jamais chantés par Baly. Aussi, Nabil prend soin de continuer à les mettre en musique, tel le "gardien du trésor" comme il se définit lui-même, afin de perpétuer le plus longuement possible l’héritage bien vivant de son père défunt. Nabil Othmanise produit en solo ou au sein de son groupe Timtar ("Mémoire"), dans lequel il s’illustre au chant et à la guitare, navigant entre répertoire touareg, effluves subsahariennes et influences occidentales. Avec Steve Shehan, il partage le même goût pour la rencontre, l’ouverture aux autres, le dialogue musical, et ce n’est certes plus le hasard qui, cette fois-ci, réunira les deux artistes autour d’un même projet ! Après avoir participé ensemble à une série de showcases en France, qui culmineront avec la création du merveilleux spectacle Imen, réunissant sur une même scène le Nabil Baly Orchestra touareg et le célèbre Hadouk Trio, Steve Shehan et Nabil Othmani se lancent dans la production d’un inévitable premier opus en commun. Enregistré et peaufiné  durant toute une année entre l’été 2008 et 2009, Awalin ("ma parole") symbolise à l’évidence cette continuité relationnelle et créative, ce passage de relais entre un père et son fils, qui réitère ce même lien privilégié, fraternel et immuable, basé sur la confiance, l’admiration et le respect mutuel. Le disque n’en constitue pas moins un nouveau défi artistique, et le résultat, s’il fait de bout en bout honneur à l’âme du grand Baly Othmani, se démarque assez nettement (et c’est tant mieux) des trois chefs d’œuvres précédents cosignés avec Steve.

Ce qui saute aux oreilles dès la première écoute d’Awalin, c’est son étonnante accessibilité et son potentiel de séduction immédiat. Il s’agit là sûrement du disque le plus "grand public" produit par Steve Shehan, ce qui n’altère en rien la qualité générale de l’œuvre, subtilement arrangée avec le talent et la "patte" si singulière du musicien globe-trotter. Les dix-sept plages d’Awalin sont ainsi teintées et parsemées d’influences très diverses, avec des sonorités empruntées aux musiques moyen-orientales, africaines, brésiliennes, cubaines, jazz et autres. Fruit d’un long processus de maturation, Awalin représente pour Steve une nouvelle occasion d’explorer d’inédites pistes créatives, une fois n’est pas coutume au moyen d’un impressionnant arsenal instrumental parfaitement maitrisé : piano, claviers, likembé, hang, basse, guitare, orgue de cristal, et bien sûr, une pléthore de percussions glanées de par le monde ! Du côté de Nabil, l’album lui permet de pouvoir se démarquer enfin du style de son très charismatique père, tout en rendant hommage à son univers poétique et en restant profondément ancré dans l’héritage culturel touareg. Le luth se fait ici moins volubile et plus introspectif, le chant également, à tel point que celui-ci pourra même paraître un poil monocorde sur la longueur. La voix de Nabil est suave, juste et de belle texture, mais peut-être un peu trop posée et appliquée dans l’exercice du studio, alors que le musicien en impose davantage dans le contexte du live, où son art lyrique dégage, quand il le faut, une puissante expressivité.

Pour parachever la production d’Awalin, le perfectionniste Steve Shehan a fait appel à quelques invités de marque, citons entre autres son vieux complice Didier Malherbe (bansouri indienne et doudouk arménien), Ibrahim Maalouf (à la trompette sur le fameux Hijaz du Hadouk Trio, ici entièrement revisité), Claude Samard (pedale steel guitare et dobro), et, surtout, la révélation Vladiswar Nadishana, jeune prodige multi-instrumentistes russe avec lequel Steve Shehan a entamé il y a peu une collaboration artistique qu’on peut imaginer également riche de belles promesses ! Le sibérien ne met ici à contribution qu’une infime part de ses innombrables talents, avec quelques interventions éparses de flûtes aux sonorités et aux formes parfois étranges, telle que cette étonnante "futujara" harmonique de sa propre conception.

En conclusion, Awalin est un disque forcément émouvant pour ceux qui, comme moi, auront suivi de près ce singulier parcours humain et artistique, qui aura uni durablement deux hommes d’exceptions grâce à la magie de l’expression musicale. Si Steve Shehan a passé une grande part de sa vie à sillonner les quatre coins de la planète, son attachement reste profond pour le désert saharien et la culture touarègue de cette région lointaine d'Algérie. Car c’est précisément là-bas qu’il a rencontré un jour celui qui incarnera à jamais l’esprit même de sa quête permanente vers la rencontre authentique, l’échange et l’amitié. Nabil Othmani semble avoir tout compris à la démarche commune de son père et frère de cœur, en témoigne aujourd’hui la parution d’Awalin, œuvre passionnante et généreuse qui a tenu sa "parole", et qui évoque l’âme de Baly sans jamais en plagier l’essence. Sublime !

www.steveshehan.com

Depuis ces derniers mois, les cinq musiciens de Marillion ont publié régulièrement sur leur site un journal vidéo suivant pas à pas la genèse de leur nouveau projet : la réalisation d'un album de reprises issues de leur propre répertoire. Less is more, disque entièrement acoustique ou presque, est aujourd'hui fin prêt et disponible. Rien de bien neuf ni de très original dans cette démarche me direz-vous, mais pourtant, cette sélection de morceaux datant des dix dernières années du groupe crée la surprise, quand elle ne touche pas tout simplement au sublime. Marillion nous avait annoncé ces versions comme des quasi nouvelles chansons, et c'est presque finalement le cas, tant les titres ont été radicalement revisités au niveau des arrangements, du choix des sonorités, des changements de tons, de rythmes ou d’atmosphères.

C’est Go !, l’un des tous meilleurs titres du fort bancal mais bien produit marillion.com qui ouvre l’album. Petite pulsation de glockenspiel, notes de guitare classique, ensemble de cordes et voix enchanteresse de Steve Hogarth, on se croirait presque arrivé au pays des fées. L’ambiance si particulière du minimaliste et extraordinaire Kuur des islandaises Amiina, cousines et complices de Sigur Ros, n’est pas bien loin ! Interior Lulu, passionnant "morceau à tiroirs" issu du même marillion.com, poursuit dans une veine proche, réalisé avec le même genre d’instrumentarium, dulcimer, piano et orgue hammond en renfort. L’enchainement des chefs d’œuvres continue avec le classique et très émotionnel Out of this world (sûrement mon titre préféré du groupe !) qui ne perd rien de sa puissance ni de sa splendeur sans les envolées mélodiques et saturées du guitariste Steve Rothery et les nappes atmosphériques immenses signées Mark Kelly. D’autres titres, s’ils n’atteignent pas la magie des trois précédents, n’en demeurent pas moins brillants, à commencer par The Space, cuisiné ici à l’aide d’une sauce jazz/blues assez surprenante mais délicieuse pour les papilles auditives, le heavy-fm Hard as love se transformant miraculeusement en une jolie ballade façon Beatles, ou encore Quartz qui perd son énorme groove au profit d’arrangements tout à fait étranges et déroutants lors d'une première écoute !  On retiendra également This is the 21st century qui, dénué de sonorités trip-hop/électro et transposé à une octave supérieure, change radicalement d’ambiance mais reste tout aussi intense et bouleversant. Memory of water et It's not your fault, nouvelle composition des cinq d'Aylesbury et seul véritable inédit de l’album, resteront davantage anecdotiques dans leur traitement, même s’il s’agit par ailleurs d’excellentes chansons. Quand à l'agaçant If my heart were a ball, il s’agit à mon sens de la seule faute de goût de Less is more, à commencer par sa présence au menu, Mais bon, il faut savoir aussi que j’ai toujours détesté cette compo, alors que d'autres jubileront peut-être  ! Enfin, signalons la présence d’un "morceau caché" (quelle habitude un peu débile !) qui n’est autre que l’impopulaire Cannibal surf babe, sorte de clin d’œil déjanté aux Beach Boys, plutôt fun en version acoustique avec son rythme entrainant et sa petite touche finale sympa à l’harmonica.

Less is more aurait pu être d’une grande banalité vu son concept de base, mais fort heureusement il n’en est rien. Ce serait sans compter en effet sur l’énorme potentiel créatif des gars de Marillion et leur indéniable aptitude à se renouveler constamment, ce malgré l’étiquette injustifiée de groupe has-been qui leur colle à la peau depuis les années 80 et le "renouveau" du rock progressif. Le club des cinq s’est forgé avec le temps une formidable maîtrise instrumentale et vocale qui, espérons-le, continuera de nous surprendre dans les années à venir. Less is more prouve en attendant leur capacité de dénuder jusqu'à l'essentiel des compositions souvent épiques sans en atténuer la sensibilité à fleur de peau. Avec ou sans électricité, le feeling de Marillion prend aux tripes et la magie opère, encore et toujours. Une nouvelle oeuvre à part entière, à consommer sans modération !

www.marillion.com

En octobre 2009 à Saint Denis, nous vous invitons à venir découvrir cette belle aventure humaine à travers une série de d’interventions auprès des habitants, rencontres participatives où se côtoient image et poésie, anecdotes et récits de voyage, chanson et musique vivante. Cette "tournée des quartiers" sera le prologue d'un spectacle collectif donné à Saint-Denis par les dionysiens en scène, dans le courant du mois de mars 2010 !

http://www.altamiramonde.net/isorana

« Tous pareils ! » Ça claque comme un slogan ; ça sonne comme une évidence ; et c’est un projet qui croît et s’embellit au fil du temps. Flash-back. En 2007, Boris Lelong, de l’association Altamira, effectue un voyage à Madagascar. Il rencontre le village d’Isorana, dont les habitants sont aussi bien cultivateurs qu’artistes. Autour d’une bibliothèque de campagne, ils jouent de la musique, chantent, dansent, se racontent des histoires… Boris, qui a mené avec Philippe Vallin, coordonnateur des animations auprès des retraités, plusieurs projets intergénérationnels autour de l’écriture, de la chanson et du slam, a sur lui un enregistrement de ce qui se fait à Saint-Denis. C’est le premier échange musical : un slam d’une retraitée de la résidence Croizat est aussitôt mis en musique par le groupe Tanga, les musiciens amateurs d’Isorana. C’est de là que naît l’idée d’échanges entre Saint-Denis et le village malgache.
Un an après, Boris retourne à Isorana, accompagné cette fois-ci par la slameuse dionysienne Sophia. Ils racontent leur ville, montrent des photos, animent des ateliers, font de la musique avec les habitants. « Avec la musique, pas besoin de parler la même langue », se rappelle Sophia. « C’était un vrai bonheur », ajoute-t-elle. Et c’est là que naît Tous pareils, la chanson. « Nous étions avec les musiciens de Tanga, qui jouaient une berceuse. Ils m’ont demandé d’improviser sur leur musique. J’ai lancé ce refrain, on est tous pareils. Ensuite, j’en ai fait une chanson et ils ont dynamisé leur air. C’est un peu devenu l’hymne de l’aventure. C’est un vrai bon souvenir. » « C’est devenu le tube local », sourit Boris. Celui-ci filme, enregistre, pour pouvoir montrer Isorana aux Dionysiens.

Ateliers de collectage de la culture dionysienne

Avec le soutien de la Ville, quatre rencontres sont programmées (voir ci-dessous), au cours desquelles images, poèmes, récits, chansons, musique dévoileront cette belle aventure. « Ce que nous souhaitons, c’est que les habitants de Saint-Denis s’approprient le projet », espère Philippe Vallin. C’est bien parti ! Le réseau de Slamélodie, de Génération slam, des associations, des lecteurs de la médiathèque sont déjà partie prenante du projet. « Avec eux, nous voulons ouvrir des ateliers de collectage de la culture dionysienne », ajoutent en cœur Philippe et Boris, qui vont à nouveau partir en novembre pour Isorana, avec tout ce qu’ils auront amassé d’ici là.
Ensuite, sans brûler les étapes, car le projet s’étalera sur plusieurs années, les deux compères envisagent, pourquoi pas, de monter un spectacle, d’élaborer une création commune entre Isorana et Saint-Denis, d’enregistrer un CD à partir de ces deux cultures mélangées, de faire venir ici le groupe Tanga… « Mais ce qui compte, ce n’est pas d’atteindre un objectif, c’est le chemin qu’on prend et les rencontres qu’on y fait. »


Mercredi 30 septembre à 15 h à la résidence Basilique (2/4, rue du Pont-Godet). Vendredi 2 octobre à 20 h à l’antenne jeunesse Péri-Langevin (3, rue Baudelaire). Vendredi 9 octobre à 20 h à l’école Rodin-Renoir (17, allée du Languedoc), Samedi 24 octobre à la résidence Ma Maison (23, rue Gaston Philippe). Entrée libre. Informations complémentaires au 01 49 33 71 75.

Le slam, poésie d’aujourd’hui, a envahi les cafés, les bars dans tous les coins de l’Hexagone. Partout des hommes et des femmes, toutes générations confondues clament des textes, font claquer les mots, juste pour le plaisir. Ce mouvement arrivé de Chicago au début des années 90 attire chaque jour des nouveaux adeptes. Depuis la reconnaissance du plus célèbre d’entre eux, Grand Corps Malade, des slam-sessions se déroulent quotidiennement. Des ateliers d’écriture s’ouvrent dans des prisons, dans des maisons de retraite… « Le slam, c’est une bouche qui donne et des oreilles qui reçoivent… ». Une définition donnée par Grand Corps Malade.

Jean-Michel Delage a voulu traiter ce sujet sous la forme de portraits, hors des lieux dédiés au slam. Il a invité chaque slameur photographié à lui donner un manuscrit de son choix : certains lui offert un brouillon, d’autres ont réalisé un texte pour l’occasion.