Steve Hogarth, le chanteur charismatique de Marillion, mêne en parallèle à ses activités au sein du groupe une carrière solo discrète, mais tout aussi digne d'intérêt. Au moment où s'achève sa tournée européenne "H Natural"* (avec 2 inoubliables passages en France à Paris et à Lille, en février et juin dernier), je vous propose de découvrir, grâces aux chroniques ci-dessous, un artiste que j'affectionne tout particulièrement, et que je considère comme l'une des plus grande et belle voix du rock, ni plus ni moins.


*l'homme était seul sur scène au piano, avec son "bagage" de chansons (ses compos et ses classiques affectionnés), sans show ni filage préparé, mais juste la volonté de "construire" chacun de ceux-ci selon les requêtes formulées en direct par son public. Un exercice pas si évident que ça même pour un grand professionnel de la scène, un défi personnel que H semble avoir réussi à relever avec brio. On en espère quelques extraits sur disque, avec la possible parution prochaine d'un nouvel album live. Patience et croisements de doigts donc...


H BAND - Live Spirit / Live Body (Poison Apple/Racket Records 2002)

Steve Hogarth est un artiste trop souvent sous estimé, voir injustement décrié… Et pourtant, en parallèle à son rôle déjà essentiel au sein de Marillion (n’en déplaise à ceux qui croient encore que l’histoire du groupe s’est arrêtée avec le départ de Fish), "H" mène aussi une discrète mais brillante carrière solo via laquelle il fait véritablement éclat de tout son talent de compositeur et surtout de son incroyable (et insoupçonné !) éclectisme musical. En effet, si ce dernier avait déjà démontré en 1997 avec "Ice cream genius" qu’il était bien plus que le simple chanteur, aussi formidable soit-il, de l’une d’une des formations les plus mythiques du courant progressif, il confirme aujourd’hui avec ce double live qu’il fait partie des artistes pop les plus intéressants, novateurs et créatifs du moment, ni plus ni moins. Ce somptueux double album au packaging classieux et richement illustré (mais uniquement disponible en ligne auprès du label, ce qui est plus que dommage) nous fait écho de deux prestations londoniennes du "H Band", enregistrées les 8 et 9 août 2001 et remixées de main de maître par le producteur Dave Meegan, à qui l’on doit entres autres les fameux "Brave", "Afraid of sunlight" et "Anoraknophobia".

Le contenu de cet opus live (divisé en 2 partie bien distinctes) illustre à merveille toute l’ambivalence de Steve Hogarth, personnage à la fois très intérieur, ultra-sensible, à fleur de peau, mais aussi extraverti quant il le faut, voir carrément délirant, possédé ! En effet, si la set-list de "live spirit" se veut nostalgique et onirique à souhait, faisant la part belle aux titres les plus atmosphériques du groupe, celle de "live body" propose un panel de morceaux pop et rock débordant de vitalité et d’énergie, où Hogarth semble laisser libre cours à tous ses débordements fantaisistes. L’ensemble est ainsi composé de titres plus ou moins revisités d’" Ice cream genius", ainsi que d’une multitude de reprises de groupes et d’artistes dont les noms laissent rêveur, jugez plutôt : Peter Gabriel, Jethro Tull, David Bowie, Pink Floyd, Jeff Buckley etc… Pour mener à bien cette ambitieuse entreprise, Steve Hogarth s’est entouré d’un liste de musiciens non moins prestigieuse, puisque ce groupe aussi génial qu’insolite réunit tout de même les pointures que sont Richard Barbieri aux claviers (Porcupine Tree), Dave Gregory (XTC) et Aziz Ibrahim (Stone Roses) aux guitares, Andy Gangadeen (Massive Attack) à la batterie, Jingles à la basse, Stephanie Sobey-Jones au violoncelle et Dalbir Singh aux tablas (à ne pas confondre avec son homologue Talvin Singh, qui fait un carton dans le monde de la fusion électronique et world music). Dans ce désir de réunir des musiciens de tous horizons, H rejoint plus que jamais dans sa démarche un certain Peter Gabriel, affirmant ici la même soif d’éclectisme et de brassage culturel. En témoignent par exemple les formidables "Cage" et "Xen And Now", respectivement alimentés par les rythmiques indiennes de Dalbir Singh et les guitares aux consonances moyen-orientales d’Aziz Ibrahim, lui même auteur de cet unique titre instrumental. "Live Spirit : Live Body" propose donc du haut de ses 150 minutes un cocktail subtil de compositions personnelles (mais pas de réelle nouveauté, bien malheureusement) et de reprises parfois transcendées ("Dream Brother" de Jeff Buckey est en ce sens à tomber par terre). Comme je l’ai mentionné plus haut, les titres issus du "Ice Cream Genius" apparaissent ici dans des versions souvent retravaillées, voir parfois même totalement remodelées. Ainsi, " Cage" bénéficie d’une extension instrumentale au tempo dub absolument renversante et jubilatoire, et quant au final de "Deep Water", celui ci se voit sérieusement rallongé et enrichi d’une multitude d’effets, renforcés par d’obsédantes séquences de tablas qui vous plongent en un véritable état de transe ! A noter aussi la présence inespérée du très rare "The Last Thing", titre évoquant fortement le meilleur Porcupine Tree, disponible uniquement sur le single "You Dinosaur Thing" et sur le pressage américain du fameux "Ice cream genius".

Du côté des reprises, l’ami H nous aura tout aussi bien gâtés, puisqu’il nous offre ici entre autres les classiques que sont "I don’t remember" de Peter Gabriel, "The loving" d’XTC, "See Emily play" de Pink Floyd (ça nous change un peu des rengaines habituelles dont nous assènent les cover bands et autres tribute-albums !), "Maybe I’m amazed" de Paul Mc Cartney, et pour couronner le tout, une version à vous refiler la chair de poule du "Life On Mars ?" de David Bowie. Rien de mieux en effet que la voix et la sensibilité d’Hogarth pour se prêter à ce genre d’exercice, pas aussi évident qu’il n’en a l’air. Et pour les amateurs du Marillion actuel, ceux ci pourront se délecter au final d’un très émouvant "Estonia", ainsi que d’une version piano/voix absolument bouleversante de "This is the 21st century" (sans oublier le fantastique "Nothing to declare", la plus marillionesque parmi toutes les autres compositions du chanteur anglais ! Bref, voilà donc un magnifique album-souvenir à se procurer d’urgence pour tous ceux qui ont eu la chance d’assister au chaleureux et inoubliable concert parisien au café de la danse, et pour les autres, l’occasion rêvée de (re)découvrir un artiste immense et profondément humain. "Live Spirit / Live Body" est sans conteste un disque d’une incroyable générosité, servi par un collectif de musiciens hors pair, affichant un véritable plaisir de jouer ensemble et de partager des émotions, doublé d’un album live riche et original comme on n’en fait que trop rarement. Exceptionnel. Philippe Vallin


Le H-Band au Café de la danse – le 05 janvier 2002

Quelle grande et magnifique surprise que ce nouveau concert du "H Band" à Paris ! En effet, je n’en attendais pas beaucoup plus que leur fort sympathique prestation au Divan du Monde en 1997, dans le cadre de la tournée "Ice cream genius", 1er album en solo du chanteur de Marillion. 5 ans se sont donc écoulés depuis (sans nouveauté discographique à la clef), mais avec un groupe qui a bigrement évolué, qui s’est enrichi de nouveaux musiciens (et pas n’importe lesquels, voir un peu plus bas !), mais aussi et surtout de nouvelles influences… Loin du Marillion d’aujourd’hui ou du rock progressif des conservateurs (ni voyez là aucune comparaison qualitative de ma part), le H band serait une sorte de fusion parfaite et résolument moderne entre pop music, psychédélisme, électronique version Trip-hop, voir même world music. Avec ce nouveau collectif, Steve Hogarth peu faire fie de ses frustrations créatives au sein de son groupe de référence (exprimées par l’artiste lui même au cours de diverses interviews), et laisser s’épanouir tout son talent de compositeur, que beaucoup mésestiment trop souvent et à tort. Autour de "l’homme aux milles visages", on retrouve quelques anciens, dont Richard Barbieri et ses sonorités magiques de claviers, ainsi que le formidable guitariste Aziz Ibrahim (Stone  roses) qui en aura bluffé plus d’un tout au long de la soirée avec son jeu innovant et bourré d’idées. Parmi les nouvelles recrues, citons Dave Gregory (guitariste du groupe XTC), Andy Gangadeen  (batteur de Massive Attack), le tabliste indien Dalbir Singh et Stephanie Sobey-Jones au violoncelle, créditée également au même instrument dans l’excellent " Anoraknophobia" de Marillion. La set-list de la soirée sera un formidable mix de titres issus de "Ice cream genius" ("Really like", "You dinosaur thing", "The deep water", "Cage", "Better dreams", "Nothing to declare"…) dans des versions complètement remaniées et transcendées, de titres de Marillion également revisités (un joyeux "Eighty days" et un enorme "Estonia"), et pour finir un bon lot de reprises toutes plus étonnantes que les autres. Citons pèle mêle "The Loving" de l'album "Oranges & Lemons" d’XTC, une autre des Psychedelic Furs, deux de Peter Green's Fleetwood Mac ("Green Manalishi" et "Man Of The World"), l’éternel "Life On Mars" de David Bowie (chair de poule garantie pour toute la salle !), "Dream Brother" de Jeff Buckley (encore un ange qui nous a quitté trop tôt) et pour finir, une incroyable et dynamique version de "See emily play", qui je le rappelle est le tout premier single d’un jeune groupe du nom de…. Pink Floyd !

Steve Hogarth fera également un joli clin d’œil à son passé en interprétant "India", un titre de How we live  (son 1er groupe d’appartenance avec les  Europeans) où le percussionniste du groupe s’en donnera à cœur joie en frappant ses tablas (tout comme sur le final de "Cage" qui reste pour moi l’un des moments fort de ce concert). Autre surprise (et grand moment !) quand le groupe entamera un instrumental complètement tripant du répertoire solo d’Aziz Ibrahim, sorte de délire psychédélique digne de Porcupine Tree, ici joué à la sauce moyen orientale (Jimmy Page et Robert Plant devraient écouter ça). Voilà, que dire de plus de ce concert au Café de la Danse sinon qu'il fut un total enchantement ? Steve Hogarth, ici plus charismatique que jamais, semblait complètement à l’aise, détendu, sûr de lui, démontrant tout au long des 2 h 30 du set une folle envie de partager un grand moment de bonheur musical et d’intimité avec son public. L’ambiance entre les membres du groupe était excellente, les plaisanteries et autres private jokes fusaient dans toutes les directions… A l’arrivée, c’est pour moi le plus grand concert que j’ai vu de Steve Hogarth, Marillion inclus (à l’exception de la tournée "Brave" qui aussi m’avait laissé sur le cul : normal, je découvrais le groupe sur scène). Tout était parfait : salle accueillante, son impeccable, light show élaboré, groupe en parfaite harmonie et en état de grâce, public réactif et chaleureux, musique intense et surprenante, à tous les instants… J’en attends avec encore plus d’impatience la parution imminente du "H live spirit" (double album live, cela va de soit vu le titre) et surtout d’un possible nouvel opus solo du beau Steve, artiste en plein épanouissement créatif qui devrait faire encore un pas en avant dans l’innovation. Chapeau bas. Philippe Vallin

Après des débuts pour le moins confidentiels ("Von" et "Recyle Bin", les deux premières galettes du groupe parues respectivement en 1997 et 1998, n’avaient malheureusement pas trouvé, à l’origine, de distributeur hors des frontières étriquées de l’Islande), la carrière de Sigur Ros a connu un singulier coup d’accélérateur courant 2000, avec la sortie de "Agaetis Byrjun", troisième essai numérique véritablement fondateur. Revigorante bouffée d’air frais balayant allègrement les codes stylistiques politiquement corrects, ce disque incroyablement abouti a, en effet, permis à la formation d’accéder à une réelle reconnaissance publique et médiatique à l’échelle internationale. Cerise sur le gâteau, la bande du talentueux chanteur/guitariste Jónsi Birgisson a alors décroché la première partie de Radiohead sur l’ensemble des dates européennes du "Kid A Tour". Deux ans après ce tour de force, Sigur Ros (patronyme pouvant se traduire par "Victoire Rose", en hommage au prénom de la petite sœur de Jónsi dont la naissance, en 1994, a coïncidé avec celle du quatuor) remet aujourd’hui le couvert en publiant le somptueux "( )", nouvel opus au titre et au packaging on ne peut plus énigmatiques et dépouillés, à l’image d’un univers sonore hors norme.

Au-delà d’une indéniable gémellité avec des groupes trendy tels que Mogwai, Spiritualized, Radiohead ou encore Godspeed You Black Emperor (autre merveille du moment), la rondelle numérique enfantée par nos turbulents gamins de Reykjavík célèbre un post-rock d’une rare originalité, qui puise son inspiration dans la majesté farouche des landes islandaises. Atmosphériques et évanescentes à souhait, les huit compositions gravées sur ce millésime 2002 cristallisent en effet à merveille les mystères et légendes de la terre d’Islande, berceau de tous les extrêmes et de tous les contrastes, et atteignent d’enivrants sommets créatifs et émotionnels. Hantées par la voix lancinante et androgyne du ténébreux sieur Birgisson (qui utilise, par ailleurs, un archet de violoncelliste pour tirer de ses six-cordes des plaintes glaciales et hypnotiques), ces chansons ‘sous éther’ s’étirent langoureusement durant bien souvent plus de dix minutes, faisant ainsi la nique aux étiquettes et aux formats imposés par les radios. À grand renfort de nappes de claviers planantes et éthérées et de sections de cordes frémissantes de sensibilité, "( )" nous offre une musique de l’âme, profonde et mélancolique, naviguant en permanence entre le calme et la tempête. Le dernier titre de l’album, qui démarre de manière minimaliste et quasi religieuse avant d’exploser dans un orgasme rock tellurique, en constitue d’ailleurs la plus sublime des illustrations. Au final, les membres de Sigur Ros s’aventurent, sur cette œuvre brumeuse et onirique, dans des contrées musicales sauvages et grandioses qui évoquent, avec un mimétisme frappant, les paysages tourmentés de leur île natale. Du grand Art ! Bertrand Pourcheron et Philippe Vallin

Site Web : http://www.sigur-ros.is/

Dans la langue du peuple de Touva (minuscule république autonome de l’ex-URSS située en plein cœur de l'Asie, au sud de la Sibérie), l’expression "Huun Huur Tu" se réfère aux rayons du soleil éclairant la prairie au crépuscule (traduction littérale : "Le Prisme vertical de la lumière bleue"). Les 4 membres de cet ensemble musical étonnant ont choisi ce patronyme pour mettre en évidence leur attachement profond aux traditions pastorales et au mode de vie nomade propres aux grandes plaines de la toundra dont ils sont originaires. A la frontière de la Mongolie et à l’instar de cet immense et magnifique pays, la république de Touva est célèbre pour sa musique insolite et fascinante, plus particulièrement pour son fameux "chant de gorge" (ou "kloonei" en langue mongole), qu’on appelle en occident  "chant diphonique" ou "chant harmonique". Cette technique vocale, rebutante de prime abord mais passionnante quand on veut bien prendre la peine de s’y plonger, est assez proche de celle développée par les moines tibétains ou encore par certain vocalistes japonais. Grâce à celle-ci, un même chanteur peut produire deux, voir trois tonalités simultanément avec sa voix ! (la ligne dite "fondamentale" et une ou des "harmoniques"). Faisant appel à des vibrations et des mouvements précis de la cavité buccale, y compris des lèvres, de la langue, du palais, du larynx et de la glotte, doublés d’un travail de maîtrise du souffle, le chanteur peut produire des sonorités surprenantes et variées, allant même jusqu’à imiter des bruits de la nature tels que le chant des oiseaux, le vent dans la steppe, le ruissellement de l’eau , le hennissement des chevaux ou le cliquètement rythmique des étriers d’un cavalier (tradition nomade oblige : le cheval est l’élément primordial et omniprésent dans l’art et la culture des Touvas). Les membres de Huun Huur Tu excellent dans cet art ancestral qu’ils développent avec une incroyable maîtrise (chant tour à tour aigus et guttural), doublée d’une attention toute particulière en ce qui concerne le style et l’accompagnement instrumental (vielle à tête de cheval, luth, guimbardes, percussions et guitare).


Kaigal Ool Khovalyg, Anatoli Kuular, Sayan Bapa et Alexei Saryglar ont depuis toujours axé leur travail sur le répertoire traditionnel tuvan, faisant revivre des chants très anciens et oubliés (qui d’ailleurs le seraient restés sans la chute du mur de Berlin), et en réhabilitant par la même le Klooneï au rang de véritable musique populaire portée par les nouvelles générations. Mais si leur répertoire reste toujours ancré dans leurs traditions, celui ci joue la carte de la constante innovation, notamment par le biais d’étonnants métissages initiés avec le défunt Franck Zappa au début des années 90, puis poursuivis avec des collaborations fructueuses avec des musiciens de la trempe de The Chieftains, The Kronos quartet, Fun Da Mental ou encore le Mystère des voix Bulgares. Grâce à cette ouverture, le groupe connaît aujourd'hui un succès international retentissant, salué par toutes les critiques et se produisant sur diverses scènes du monde entier à guichet fermé. Tandis que dans leurs compatriotes de Yat-Kha font fusionner leur chant de gorge avec des musiques résolument modernes (rap, rock..), nos quatre compères de Huun Huur Tu restent fidèles à leur répertoire et à leurs instruments traditionnels, ne s’accordant que quelques légers écarts (utilisation de la guitare acoustique espagnole) pour proposer une musique à la fois innovante et ancrée dans ses fondements ancestraux. Cet album maladroitement intitulé "Best live" (quel manque d’imagination !) et enregistré lors d'un festival folk en Russie au mois d’avril 2001 en est le plus beau témoignage et la meilleure introduction que l’on puisse rêver. Ayant eu pour ma part la chance de pouvoir applaudir Huun Huur Tu à deux reprises (au festival "Quartier d’été" en juillet/août l’année dernière puis récemment au théâtre du Trianon à Paris), je n’aurai cependant qu’un seul regret : que cet album extraordinaire* mais peu généreux dans sa durée ne soit pas double, tout simplement. Et ce n’est pas la substance musicale qui manquait pour ce faire, croyez moi ! Philippe Vallin

* Un deuxième volume est finalement paru depuis chez le même éditeur, pour notre plus grand plaisir, avec un titre tout aussi recherché que celui de son prédecesseur : "More live"

Coyote Oldman est un duo de flûtistes américains fort inspiré par l’héritage des musiques amérindiennes, qui a fait ses premiers pas discographiques au milieu des années 80, alors que la mouvance new-age était à son apogée outre atlantique. Mais comme d’autres créateurs d’univers sonores découverts à la même époque, incorporant très souvent un large instrumentarium ethnique à leur musique ambient à vocation électronique (citons ici les deux plus célèbres et talentueux : Steve Roach et Robert Rich), ils ont su développer un style bien à eux, un genre musical à part entière, à des années lumières des clichés et des banalités du genre new-age, si toutefois même on peut encore aujourd’hui les y affilier. 

Coyote Oldman, à la différence de ses pairs, développe une musique d’obédience atmosphérique, mais en se situant dans un champ presque exclusivement acoustique, manipulant cependant avec talent les effets d’échos, de reverbes, les superpositions de textures sonores, ce qui donne à leur musique une réelle profondeur et certaine dimension onirique.

Michael Graham Allen est le fondateur du groupe (pour lequel il vient de créer son propre label, après les années passées chez Hearts of Space), principal instrumentiste et compositeur. Passionné par les flûtes des natifs américains mais aussi par celles issues des cultures précolombiennes (un peu à la manière du mexicain Jorge Reyes, autre grande référence en la matière), il passe la plupart de son temps à se documenter et à effectuer des recherches à travers le continent sur les origines et l’histoire de ces instruments.

Également luthier émérite, Michael a la particularité de fabriquer quasiment tous les instruments qu’il utilise pour la réalisation de ses disques. Il est même devenu avec le temps l’un des artisans respectés dans l’art de confectionner les flûtes des indiens d’Amérique du nord, comme ces fameuses Siyotankas, flûtes à bec de gamme pentatonique au son très doux, généralement utilisées à des fins de séduction amoureuse ! Ces flûtes d’origine lakota (sioux), mais qu’on retrouve aussi sous la même forme à travers toutes les nations indiennes, ont été popularisées par le Navajo-Ute R. Carlos Nakai (LE grand maître de cet instrument), ou encore par Douglas Spotted Eagle, dans un registre davantage easy-listening mais pas toujours inintéressant.

Barry Stramp, le second membre de Coyote Oldman est aussi le moderniste du duo américain. Barry est en effet un technicien aguerri et un magicien du son, celui qui ouvre les horizons aux flûtes de Michael et qui leur confère toute cette profondeur, cette force évocatrice et émotionnelle. En tant que musicien, Barry, bassiste de formation, maîtrise également toute une gamme de pan pipes des Andes, ocarinas, et bien sûr n’est pas en reste avec les fameuses "natives flûtes". Il est cependant absent (définitivement ?) de la réalisation de Rainbird, onzième opus du groupe, remplacé ici par un certain Joël Wild, crédité à la basse, aux claviers, percussions, à l’enregistrement et à la production de ce double album. Rainbird est le commencement d’une nouvelle série d’enregistrements, celle-ci consacrée aux flûtes Anasazis, dont de nombreuses répliques ont été construite par Michael à partir de modèles originaux découverts sur des sites archéologiques et datés de 800 à 1 200 ans d’âge. Anasazi est un terme navajo qui signifie "Les Anciens", ou "Ceux qui nous ont précédés". Les Anasazis, ancienne civilisation précolombienne, agriculteurs sédentaires (et constructeurs d’étonnants immeubles de pierre aux pieds des falaises !), seraient donc les premiers indiens d’Amérique du nord, les ancêtres des Zuñis, Hopis de l’Arizona et du Nouveau-Mexique. Les Anasazis auraient eu donc la particularité de construire et de jouer de magnifiques et grandes flûtes droites en bois, dont il nous est possible aujourd’hui d’entendre les sonorités et d’imaginer la musique grâce au travail magnifique de Michael Graham Allen.

Le premier CD, au climat serein et lumineux, est exclusivement consacré à ces instruments aux harmoniques complexes, la plupart du temps joués en soliste, afin de rendre hommage à la pureté et à la fluidité du son. Le second CD nous plonge dans un climat plus sombre, plus nocturne, appuyé par les textures de claviers et les lignes de basses hypnotiques de Joël Wild, reprenant le rôle de Barry Stramp avec brio. Avec ce nouvel album, la palette sonore de Coyote Oldman se renouvelle cependant, sans que soit renié le style du duo et sa formidable expressivité. Un must pour tout amateur de flûtes méditatives, de culture amérindienne et de musique atmosphérique. Philippe Vallin

Site web sur lequel on trouve disques et flûtes :
www.coyoteoldman.com

J'utilise moi même les flûtes de Michael Graham Allen  dans divers contextes : soirées contes, animations, concerts... Je possède en effets quelques modèles fabriqués par Michael (un artiste on ne peut plus généreux, abordable et sympathique), dont la fameuse flûte Anasazi, très difficile à maîtriser, qui fait l'objet de ma chronique de "Rainbird". Dans les deux photos ci-contre et ci-dessous, je joue des siyotankas, magnifiques instruments au son très doux et à l'échelle pentatonique très agréable à l'oreille, lors d'un spectacle conçu et réalisé avec mes amis Boris Lelong et Joon Claudio de l'association Altamira, avec un instrumentarium varié à l'appui : divers flûtes et percussions, Luth "Hegelung" et gongs "Gangsas" philippins, didgeridoo, guitares, etc ...

Pour plus d'information sur le projet Diwata, avec extrait vidéo, voir le lien suivant: http://www.altamiraworld.net/diwata/

 

Photos : Sylvie Hamon

Blackfield (Helicon 2004)

Si le nom de Steve Wilson évoque quelque-chose pour vous, il conviendra cependant de présenter Aviv Geffen, second pilier du projet Blackfield qui nous intéresse ici. A l’instar de la chanteuse Noa, Aviv Geffen est aujourd’hui une véritable pop star à part entière dans son pays d’origine (Israël donc), et tout comme elle il est connu pour ses partis pris positifs en matière de paix au Proche Orient. Sorte d’icône adulée par la jeunesse de Tel Aviv, Geffen apporte le plus grand soin à son image, avec un look très travaillé, ses fringues tendance et ses maquillages parfois outranciers lui conférant un aspect gothico-androgyne branché. Ce n’est donc pas un hasard si certains voient en lui une sorte de nouvelle émanation de David Bowie ! Côté musique, Aviv Geffen écrit et produit son premier album en 1992 (il n’a alors que 18 ans !), essai gagnant qui reçoit un très bon accueil critique à travers le pays. Jolie collection de pop songs aux accents rock avec lesquelles Aviv Geffen se forgera un style bien à lui, cet album marque le début d’une carrière prometteuse pour un jeune et talentueux artiste dont la popularité ne cessera de croître.

La genèse de Blackfield débute en 2000 lorsque Aviv Geffen invite Porcupine Tree à venir se produire en concert à Tel-Aviv et à Haïfa. Il se lie alors d'amitié avec Steve Wilson auquel il voue une grande admiration. Et si les deux hommes ne partagent pas le goût de l’engagement citoyen et politique à travers la chanson, il en est tout autrement en matière de sensibilité et d’accroche musicale. Voilà donc nos deux compères embarqués dans un projet commun à travers lequel ils se partagent chant et instruments, à l’exception de la batterie qui nécessitera les participations successives de Chris Maitland et de Gavin Harrison. La conception de l’album exigera trois années de travail laborieux entre 2000 et 2003 (éloignement géographique oblige), longue gestation qui verra la parution d’une délicieuse galette de 37 trop courtes minutes, très attendues par les fans respectifs des deux musiciens. Blackfield est à la hauteur de nos espérances, si toutefois on ne se borne pas au versant le plus progressif de la musique de Steve Wilson. A n’en point douter, les amateurs de mélodies accrocheuses à l’effet immédiat seront aux anges. Il faut dire que Geffen et Wilson  ont apporté le plus grand soin à l’écriture et aux arrangements de ces dix titres sans fautes de goût ni temps morts. Ouvrage de deux perfectionnistes presque maladifs (dans ce domaine, Geffen semble ne pas valoir mieux que Wilson !), tout est ici en effet hyper soigné, l’ensemble bénéficiant d’une production on ne peut plus riche et classieuse. Côté inspiration, Blackfield ravira les amateurs du Porcupine Tree période "Lightbulb sun", dont il reprend le goût pour la pop-song format single (l’album regorge de tubes en puissance !), les atmosphères souvent mélancoliques (du mellotron, encore, encore.), les guitares acoustiques et les harmonies vocales de toute beauté. Le partage du chant n’est d’ailleurs à mon sens pas tout à fait équitable, et j’aurais aimé entendre davantage la voix de Geffen (au timbre surprenant, à la fois grave et suave) mise en avant.

En conclusion, je dirais que Blackfield possède tous les atouts propres à séduire le plus large public (un passage radio de "Hello" et hop, on atteint le sommet des charts !), encore faudrait-il que l’album soit correctement distribué. Il n’est en effet disponible à ce jour qu’en Israël, où il a d’ailleurs fait un joli carton depuis sa sortie il y a quelques mois. Pour vous procurer ce petit chef-d’œuvre indispensable, il ne vous reste plus qu’à vous connecter sur Ebay, où alors à patienter encore un peu avant la date de sortie européenne, qui reste toujours la grande inconnue de l’histoire. On sait juste que ce pressage contiendra vraisemblablement quelques titres bonus, qui à mon avis ne suffiront pas à calmer les affres de l’attente prolongée. Pour ma part, et sans vouloir faire de pub, j’ai déjà fait mon choix. Philippe Vallin

Site web : http://www.blackfield.org/